Samling av Kyoto Costume Institute. Del 1: 1720-1770

Kyoto Costume Institute grundades 1978 efter den första fullskalan
high fashion utställningar i Japan "Kreativa kläder 1909 - 1939", utställningar,
sammanställd på Metropolitan Museum of Art i New York. Blir imponerad av
utställningsresultat, VD för Wacoal Corporation (underkläderstillverkare
i Japan) Koi-chi Tsukamoto, samt vice ordförande för handelskammaren och industrikammaren
Kyoto reagerade på förslaget att skapa en institution i Japan där det skulle vara möjligt
systematisera det västerländska modets prestationer, bedriva forskning och
visa toalettartiklar. Enligt japanska regler
statlig myndighet för kulturfrågor, Mr. Tsukamoto grundade den i
april 1978.

Kläder är en integrerad del av våra liv, och det förändras tillsammans med
historia och samhälle. Att ägna mest uppmärksamhet åt västerländsk stil damkläder,
Kyoto Costume Institute (KCI) samlar systematiskt in och
bevarar enastående exempel på västerländska kläder från olika århundraden, såväl som dokument
och andra saker relaterade till detta område av studien. Att studera klädkulturen,
Institutet bedriver intressant forskning inom området sociologi, vilket hjälper
förstå hur förändringar i samhället påverkar modet som helhet. Att förstå allt
vikten av sådant arbete, Yoshitaka Tsukamoto, nuvarande president för Wacoal Corporation
och ordförande för KCI, följer sin fars exempel och bidrar till institutet
omfattande hjälp. Sedan de första dagarna av dess existens har KCI gjort allt
möjligt att utöka sin högkvalitativa kollektion, vilket hjälper
skapa tematiska utställningar som introducerar betraktaren inte bara för kostymen, utan också
med olika länders historia.

KCI har det bredaste urvalet av historiska kostymer, underkläder,
skor och modeaccessoarer från 1700-talet till nutid.
Börjar med sällsynta skatter som en järnkorsett från 1600-talet med broderad
corsage, och slutar med verk av moderna designers som Yves Saint Laurent och
Calvin Klein-kollektionen ger en bred översikt över utvecklingen av dammode.

Början av 1700-talet, England

Denna docka går tillbaka till tidigt 1700-tal. Och även om hon har en vuxens proportioner
kvinna, men hennes klänning är en ung flicka. Band och tygval på
tillbaka behövdes för att hjälpa ett barn som precis skulle lära sig att gå. Det samma
tofsar och band blev vanliga i tonårsflickornas klänningar. På 1700-talet fanns det
dockor för barn, och det fanns dockor - "sändare" av mode. Före tillkomsten av modetidningar,
dockor klädda i det senaste modet skickades från Paris med kungliga skepp
att förmedla de senaste modetrenderna i hela Europa.

OK. 1720, Frankrike

"Flounce dress" (rock volante) kommer från negligé-outfiten (negligee (föråldrad) -
hemtrevliga, opretentiösa, något avslappnade kläder) som bars till
de sista åren av Ludvig XIV:s regeringstid (1638-1715). Klänningen användes
populär som högtidskläder i början av 1700-talet. Stor fjäderboll
ärmarna föll från axlarna, "spridde sig" mjukt längs kjolens kjol och var den viktigaste
detalj som kännetecknar stilen på klänningen. Och även om korsetten alltid var hårt snörad,
den flödande mjuka ärmen och vecken av tyg gjorde klänningen mysig, skapande
intryck av lätthet och komfort.

OK. 1740-1750, England

Klänningens tyg är dekorerad med ett blommönster och skimrar tack vare
silvertråd, kallad Spitalfields silk. Kontrast
mellan blå sidentaft och silvertråd skapar en harmonisk fantastisk
skönhet. Det speciella med denna klänning - eller Mantua - är den långa
plym. På båda sidor plockades överkjolen upp vid höfterna, tillsammans med ett tåg,
som för övrigt bars i olika versioner. Tåget bars antingen löst,
för att visa upp sin längd och lyx, eller (som på bilden) vikt över kjolen.
Mantua var på modet från 1670-talet fram till tidigt 1700-tal, men i England användes det vid mottagningar
fortsatte att bäras till slutet av 1700-talet. Denna outfit tillhörde familjen Fursdon från
Devon (sydvästra England).

OK. 1760, Frankrike

"Klä dig i fransk stil" ("rock ? la fran?aise"). Mid Kvinna Klänning
1700-talet kännetecknas av mjuka, pastellfärger och en mängd olika
konstnärliga dekorationer - band, spetsar och konstgjorda blommor.
Speciellt spetsar skapade med de finaste handgjorda teknikerna,
Mest av allt dekorerades dåtidens damers outfits. Det var spets överallt - vid halsringningarna,
livstycken, ärmar, mössor, handskar, och gav klänningarna ännu lyxigare
se. Spetsproduktion intog en speciell plats i olika regioner i Italien,
Frankrike, Belgien och dessa olika typer av spets har fått sitt namn efter sin plats
produktion.

OK. 1760, England

"Klä dig i fransk stil" ("rock ? la fran?aise"). Klänning från gorgeous
sidentaft och Spitalfields silke. Tre sorters guld
trådar och 11 trådar av färgat sidenvävt blommönster på vit brokad
duk. Guld- och silvertrådar satte gnistan till klänningen. Fantastisk design
tyg visar höjden av tekniken att tillverka Spitalfield-silke från mitten av 1700-talet
århundraden. Denna metod att tillverka sidentyg utvecklades på 1700-talet
i Spitalfield (i East End i London). Mitten av 1800-talet, hög kvalitet
tyger kunde konkurrera med de välkända tygerna i Lyon (Frankrike). Drottning
Charlotte (1744-1818), hustru till kung George III av England, bar klänningen villigt
från Spitalfield silk för att uppmuntra ("annonsera") denna typ av material.

OK. 1760, England

En typisk 1700-tals "klänning i fransk stil" ("robe la fran?aise").
Lägg märke till den gyllengula färgen som kontrasterar mot den svarta spetsen. I
I början av den kristna kulturen ansågs gult vara kättares färg. Men i
I Kina var gult kejsarens färg, och vanliga människor förbjöds att bära den.
färg under dödsstraff. På 1700-talet ledde modet för allt kinesiskt till
väcka nytt intresse för färgen gul och göra den väldigt populär bland
dåtidens fashionistas. Även i denna outfit ser vi fichu ((franska fichu) - tunn
trekantig eller diagonalt vikt fyrkantig halsduk gjord av lättviktigt tyg (muslin,
cambric) eller spets som täcker halsen och dekolletage). Denna artikel dök upp i
kläder av franska kvinnor i de lägre och mellersta samhällsskikten på 1600-talet. Fichu
täckte den djupa urringningen populära på den tiden på en dam klänning, värmande och
säkerställa ett anständigt utseende. Men damer använde ofta fisk på ett sådant sätt att
halsduken snarare avslöjade eller positivt överdrivna feminina charm snarare än
gömde dem).

OK. 1760, Frankrike

Klassisk damklänning från rokokoperioden. Rokokostilen har sitt ursprung i Frankrike i
första hälften av 1700-talet (under Philippe d'Orléans regentskap), som
fortsättning på barockstilen. De karakteristiska egenskaperna hos rokokon är sofistikering,
stor dekorativ belastning, graciös ornamental rytm, stor
uppmärksamhet på personlig komfort. Kläderna från denna period var gjorda av lyxigt siden
tyger som tillverkades i Lyon (Frankrike). Klänningar, förutom konstfullt
broderade tyger, dekorerade med spetsar, band, konstgjorda blommor,
gör kläderna alltför lyxiga och rika.

OK. 1765, Frankrike

Denna klänning skapades med den mest komplexa och förtjusande tekniken från rokokontiden. Textil
med ett så suddigt mönster kallades "chin? ? la branche" (ungefärlig översättning - "kinesiska
teknik"). Kärnan i denna teknik var följande: efter den första
processen att väva varpen, som tjänar till att ansluta trådarna och undvika deras förskjutning
på tryckbordet appliceras färger på dem för hand. Efter ansökningsprocessen
blommor på tygets bas, placeras den igen på vävstolen och vävs
till sist. En utmärkande egenskap hos dessa tyger är att färgerna och formerna
ritningen förblir suddig och otydlig. Denna teknik var extremt arbetsintensiv,
och tyger med sådana mönster tillverkades uteslutande i Lyon (Frankrike).
Vanligtvis vävdes tunna material som sidentaft med denna metod. MED
i mitten av 1700-talet var det väldigt modernt att ha dyra kläder gjorda på "kinesiska"
teknologi. Blommorna av sådana tyger var förtjusande mjuka pastellfärger. Fröken
Pompadour, förresten, var galen i outfits i "kinesisk teknologi", för vilket detta
Stilen har också smeknamnet "Taffeta Pompadour".

OK. 1770, Frankrike

Klänningens livstycke i stil med "entertainer" ("comp?res") består av två ventiler (vänster och
höger), knäpps med knappar. Med introduktionen av denna stil, det snäva livstycket,
som kvinnor ständigt bar upphörde att vara nödvändiga. Utgående från detta
period, kvinnors klänning blev mer avslappnad och bekväm, och stil
vinner enorm popularitet efter stela, obekväma korsetter.

OK. 1770, England

Denna Spitalfields sidenklänning visar en hög nivå av textil
teknik som uppnåddes i mitten av 1700-talet. De fick problem i den här gula klänningen
Kinesiska och grekiska motiv populära på den tiden. Den "kinesiska" stilen uppmuntrades
människor till främmande länder, och deras exotiska skönheter återspeglades
på västerländskt mode. Under tiden började utgrävningar av den antika romerska staden 1738
Herculaneum gjordes populärt av antika romerska och grekiska
motiv.

OK. 1775, Frankrike

Den här klänningen visar upp de fantastiska egenskaperna hos handbroderi. Outfiten erövrar
utsökt monokromt tyg, många dekorationer skapade endast
nål och tråd. Här används traditionella franska sömnadstekniker: "bouillonn?",
där tyget är samlat i stora veck för att öka volymen; "boutis"
bestod av att stoppa bomull mellan två quiltade lager
tyger; "tuyaut?" - när tyget rullas in i ett rör för att skapa dessa vågor.
Allt detta, tillsammans med delikata dekorationer och silvertråd, förmedlar en utsökt
rokokostilens sofistikerade stil.

OK. 1770-1775, Frankrike

Denna utsökta klänning i rokokostil kombinerar subtilitet och skönhet,
sofistikering och rikedom. Kombinationen av färger och ränder är ett av de populära motiven
den gången. Och denna "easy look"-trend får mer och mer intresse.
under denna period av 1700-talet.

OK. 1770, Frankrike

Volanger, fransar, chenille, band, konstgjorda blommor och spetsar - allt detta
nödvändiga dekorationer för klänningar i rokokostil. Och även om den här klänningen har allt
dessa dekorationer verkar överdrivna, de kommer perfekt överens och kompletterar varandra.
Tyget i klänningen - sidenbrokad - kommer från Lyon - det berömda centrumet för kvalitet och
1700-talsdesign. Passagetekniken, där blommor vävs på tyg,
uppstod i Frankrike 1653 och nådde toppen av sin utveckling på 1700-talet.

OK. 1775, Frankrike

Den här klänningen är gjord av fantastiskt canel-tyg, utsmyckat med intrikat
blommönster och pälsbitar. Vid tillverkning av sådant tyg används det
chenille, sidentrådar, satin och tvinnat garn. Denna klänning från Madame Oberkampf (vars
make skapade en modern tryckeriproduktion i Paris förorter - Jouy-en-Josas)
Bärs för en audiens hos drottning Marie Antoinette 1775.

• Adress: 103, Shichi-jo, Goshonouchi Minamimachi, Shimogyo-ku, Kyoto, Japan
• Telefon: +81 075 321 9221, +81 075 321 8011
• E-post: [e-postskyddad]
• Hemsida: www.kci.or.jp
• Arbetstimmar: 8.00-17.00 dagligen
• Öppet år: 1974

– ett av de fyra bästa modemuseerna i världen. Att kalla det bara ett museum skulle vara fel - det här är ett riktigt forskningscenter där de inte bara samlar in klädesplagg, utan också studerar modetrender och olika historiska processers inflytande på dem.

Den öppnades 1974 och under denna tid lyckades den inte bara samla en omfattande samling av historiska och moderna dräkter, utan blev också en av de mest betydande i sitt slag. Ingen historisk kostymutställning i världen är komplett utan att ställa ut föremål från Kyotomuseet.

Museets historia

Idén att skapa ett modemuseum kom från vicepresidenten för Kyoto Chamber of Commerce and Industry och chefen för företaget som producerar det populäraste underklädesmärket i Japan, Wacoal. Drivkraften var utställningen "Inventive kläder: 1909-1939", som fördes till Kyoto av Metropolitan Museum of Art.

Museiutställning

Från början var det planerat att museets utställning skulle ägnas åt västeuropeisk historisk dräkt. Senare utökades dock samlingen. Idag innehåller den mer än 12 tusen klädesplagg, både västerländska och österländska, både antika och moderna, samt en omfattande samling av underkläder, accessoarer och mer än 176 tusen olika dokument som berättar hur vissa trender inom mode eller vissa specifika föremål.

Mycket av displayen består av vintage damkläder i västerländsk stil. 1998 dök ett tillägg upp - två rum där, i samband med "The Tale of Genji", kläder och hushållsartiklar från Heian-adeln presenteras. Möbler, karaktärsfigurer och kläder återges i skala 1:4, och en del av ett rum återges i skala 1:1. Här kan du se outfits som var avsedda för en specifik säsong, samt accessoarerna som följde med dem.

Den äldsta utställningen i museet, en metallkorsett med ett broderat livstycke, går tillbaka till 1600-talet. De nyaste dyker upp ständigt, eftersom de flesta av världens ledande modehus, inklusive Christian Dior, Chanel, Louis Vuitton, regelbundet presenterar sina nya eller ikoniska modeller.

Hur besöker man museet?

Museet är öppet måndag till lördag från 9:00 till 17:00. Det är stängt på nationella helgdagar. Dessutom genomgår den underhåll från 1.06 till 30.06 och från 1.12 till 6.01.

Ett besök på museet kostar 500 yen (cirka 4,40 USD). En barnbiljett kostar 200 yen (cirka 1,80 USD). Det är mycket enkelt att ta sig till museet: det ligger tre minuter från busshållplatsen Nishi-Honganji-mae. Från stationen kan du också ta ett av lokaltågen, gå av vid Nishioji Station och gå till museet på cirka 3 minuter.

På 1920- och 30-talen förändrades kvinnors roll i samhället dramatiskt och på grund av detta förändrades även idealen om kvinnlig skönhet. Nya trender gäller silhuetter av klänningar och frisyrer, kosmetika och smyckesdesign. Kvinnor slutar bära korsetter och golvlånga kjolar. De röker offentligt, bär ljus smink och dansar till gryningen. Och de behöver nya kläder och nya smycken.

Kvinnors kostymer från samlingen av Kyoto Costume Institute kommer att föras till Moskva för första gången - en betydande del av utställningarna restaurerades speciellt för projektet och kommer att lämna Japan och institutet för första gången.

Var och en av Worth, Poiret, Lanvin-klänningarna kommer att bilda en enda ensemble med dekorationer och smycken skapade av mästarna i Cartier och Van Cleef & Arpels mellan 1910 och 1930. För första gången föreslogs denna demonstrationsmetod av Louis Cartier och Jeanne Lanvin för utställningen Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, som ägde rum i Paris 1925 och gav namn åt den konstnärliga rörelsen själv.

I One-Pillar Chamber of the Patriarchal Palace och i Assumption Belfrys utställningshall kommer totalt 119 utställningar från Kyoto Costume Institute, 34 smycken från Cartier och 24 smycken från Van Cleef & Arpels att visas.

Utställningen "Elegance and Luxury of Art Deco" kommer att vara öppen för allmänheten från 30 september till 11 januari 2017.

Van Cleef & Arpels

Van Cleef & Arpels pressbyrå

1. Chatelain klocka, 1924

På 1920-talet blev klockor både en modeaccessoar och en funktionell artikel. De första chatelaine-klockorna på en kedja tillverkades i form av broscher med ett dubbelsidigt hänge: på ena sidan fanns en liten urtavla, den andra var täckt med dyrbar art déco-dekoration.

2. Åkpåse "Blue Express", 1931

Denna platina åkpåse är en enastående racer och ägare. Bentley Wolfe beställde Barnato som en gåva till sin fru för att fira ett vad han vann. Själv Bentley kom från Cannes till Calais snabbare än de berömda Blått tåg("Blue Express"), som gick längs denna väg. Hastighetstävlingen mellan en bil och ett tåg är avbildad på omslaget till minaudieren i form av en miniatyr av diamanter, safirer och smaragder.

3. Halsband med smaragder, 1929

Detta unika platina- och diamanthalsband med tio antika smaragder är ett vackert exempel på den modernistiska art déco-estetiken från slutet av 1920- och 1930-talen. Halsbandet skapades 1929 och uppdaterades 1940 på order av prinsessan Faiza, dotter till den egyptiske kungen Fuad I. De colombianska smaragdernas vikt är 165 karat. I november 2013 såldes smyckena på Christie's för 4,2 miljoner dollar.

4. Smyckeslås för en väska, 1931

Det var under art déco-eran som konstnärligt hantverk fick tillämpad betydelse och hantverkare kom på nya funktionella sätt att dekorera en sak. Juvelspännen på handväskor och minaudières kunde ofta lossas och bäras som broscher.

5. Minaudiere Ringla i platina, gult guld och svart lack, 1935

Minaudieres är en av Van Cleef & Arpels viktigaste uppfinningar. Dyrbara handväskor dök upp 1933, de var tänkta som en lyxvara: de var gjorda av platina och guld, täckta med lack och emalj och dekorerade med stenar.

Inuti fanns det många fack för allt en kvinna kan behöva när hon går på teater, middag eller cocktailparty. Lådor för rouge och puder, en liten spegel, cigaretter, en cigaretthållare, en lorgnette, en kam, en pillerask, en ask med mynta, en liten anteckningsbok, nycklar, en miniatyrklocka - varje föremål placerades i sin egen separata liten ”skåp” eller i en hemlig låda på sidan.

Cartier

Cartier presstjänst

1. Bandeau med pärlor, New York, 1924

Modedesignerna Poiret och Charles Worth rekommenderade damer att komplettera sin design med orientaliska aigretter och bandeaus och bära dem som pannband i pannan. Bandeaus har ersatt klassiska diadem. Detta unika platinaexempel med en stor naturlig pärla som väger cirka 51 korn tillhörde Doris Duke, dotter till James Buchanan Duke, grundare av American Tobacco Company och Duke Power Company.

2. Teaterkikare, Paris, 1912

Under art déco-eran gick smyckeskonsten långt utöver traditionella smycken. Kanonerna för smyckeshantverk används för att göra till synes vardagliga föremål: pappersknivar, knappar, lorgnettes, paraplyhandtag. Denna teaterkikare från Cartier i platina, jet, svart lack och rosenskurna diamanter, beställd av den amerikanska fru Rita Lidig, var inget undantag. Ursprungligen fanns i mitten av produkten inskriptionen Rita, som ersattes med ett dekorativt element efter att beställningen avbröts.

3. Munstycke "Dragon", Paris, 1925

Från och med nu är rökning i samhället det vanligaste för en dam, så långa cigaretthållare och cigarettfodral håller på att bli en av de populäraste tillbehören, och inte bara bland män. Denna cigaretthållare, med en drakfigur på en jadeskål, är huggen av albatrossben. Cartier-utställningen deltog i den berömda 1925 års utställning för modern dekorativ konst.

4. Brosch med huvudet av den egyptiska gudinnan Sekhmet, London, 1923.

Denna pjäs i egyptisk stil skapades bara ett år efter upptäckten av Tutankhamons grav. Platinabroschen har formen av en halvcirkelformad solfjäder, inramad av engelskslipade diamanter "åtta". En autentisk artefakt är inlagd i en lapis lazuli-bakgrund med diamantstjärnor - en bild av huvudet på gudinnan Sekhmet från forntida egyptisk fajans, som går tillbaka till 700- till 400-talen f.Kr. Under eran av vurm för öst, samlade Louis Cartier sådana artefakter och uppmuntrade sina designers att använda antika föremål från Persien, Indien och Kina i sina smycken.

5. Åkpåse "Dag och natt", Paris, 1927

På lådans lock återges ett japanskt landskap i gryningen med hjälp av intarsiatekniken av pärlemor, emalj, rosenskurna diamanter och färgade prydnadsstenar - den uppgående solen symboliserar en halv cabochonsubin. Pärlemorpanelen tillskrivs den ryske mästaren Vladimir Makovsky, som emigrerade till Paris och var specialist på att skapa föremål i chinoiserie-stil.

Damkostymer från samlingen av Kyoto Costume Institute

Hemmagjord klänning. Japan, 1900-talet
Världsutställningen i Paris 1900, där Indokina och Siam deltog, jugendstilen som etablerade sig under dessa år och till och med det rysk-japanska kriget 1904-1905 väckte intresse för det exotiska, i synnerhet Kina och Japan. Tillsammans med möbler fördes också broderade sidenkimonos till Europa från Land of the Rising Sun, som ofta omvandlades till moderiktiga klänningar eller morgonrockar.

Formell hovklänning med ett tåg. Frankrike, 1914. Värt modehus.
Debutantens ceremoniella hovdräkt tillhörde hustru till den amerikanske ambassadören i Storbritannien, Walter Page, Willia, som i februari 1914 presenterades i St. James's Palace till kung George V och drottning Mary. Vid det här laget levde inte Charles Frederick Worth själv längre. En hovklänning med ett tåg och en smal korsett är ett typiskt exempel på högtidlig klädsel, medan de flesta damer i verkligheten övergav de spända midjorna och bar tunikaklänningar, föreslog 10 år tidigare av Paul Poiret.

© presstjänst för museerna i Kreml i Moskva

Aftonklänning. Frankrike, cirka 1925. Lanvin modehus.
Jeanne Lanvin hade vid den tiden redan blivit Gabrielle Chanels främsta konkurrent. På 1920-talet var hon den första som tänkte på att skapa speciella linjer av pälsar, herr- och barnkläder, parfymer och hushållsartiklar. Hennes lyxigt trimmade art déco-aftonklänningar, som hon kallade robe de style, med en utsvängd kjol i sidorna, som påminner om 1700-talsbågar, var otroligt populära eftersom de tack vare sina proportioner passade damer i nästan alla åldrar och storlekar.

© presstjänst för museerna i Kreml i Moskva

Täcka. Frankrike, cirka 1925. Paul Poiret.
Trots att Chanel alltid insisterade på hennes bidrag till kvinnors befrielse från korsetter, gjordes det första försöket runt 1905 av fransmannen Paul Poiret, och erbjöd en skjortklänning, en tunika, liknande den antika, och hans version av kimono klänning, flyttar tyngdpunkten från midjan till axlarna. Den här aftonkappan i ett stycke, gjord av djupblå sidensammet med djup omlott och broderad med guldtråd och pärlor, bars över en klänning, som faller något tillbaka från axlarna, som en japansk kimono.

© presstjänst för museerna i Kreml i Moskva

Aftonklänning. Frankrike, 1927 Madeleine Vionnet.
Utgrävningar av Tutankhamons grav och i synnerhet upptäckten av den unga kungens legendariska gyllene mask 1922 bidrog till en otrolig ökning av intresset för forntida egyptiska teman, så tydligt manifesterat i arkitektur, inredning, smycken och kostymer. Designen i svart och guld på designern Madeleine Vionnets klänning påminner om huvudbonaden på en faraos mask med omväxlande guldränder och färgad smalt.

© presstjänst för museerna i Kreml i Moskva

Från och med den 30 september 2016 till slutet av nyårshelgerna kommer Moskvas Kreml-museer att stå värd för en unik utställning tillägnad art déco-stilen, som upplever en återfödelse idag.

På utställningen "Elegance and Luxury of Art Deco. Kyoto Costume Institute, smyckehusen Cartier och Van Cleef & Arpels" kommer för första gången i Ryssland att visa en kollektion av damkläder från europeiska haute couture-hus från Art Deco-eran från samlingen av Kyoto Costume Institute (Japan). Dessutom får besökarna se smycken från 10-talet till 30-talet av 1900-talet, gjorda av enastående smyckehus – tillsammans med originalskisser och fotografier från arkiven.

Vad finns att se på utställningen

Gäster på utställningen kommer att kunna se 119 utställningar från Kyoto Costume Institute och smyckesverk av Cartier och Van Cleef & Arpels (34 respektive 24), samt 20 originalskisser och fotografier från Cartier-arkivet. Alla smycken som besökarna kommer att se skapades på 1910–1930-talet och representerar både de första och mycket sällsynta verken
gjorda i tidig art déco-stil, samt unika extravaganta smycken från en senare period.

I ett pressmeddelande på Kreml Museums webbplats står det: "Moskva Kreml-museerna vänder sig till temat art déco som ett fantastiskt konstnärligt och sociokulturellt fenomen på 1900-talet: denna stil av levande kreativ fantasi, inspirerad av europeiska klassiker och modernism, kulturen av forntida civilisationer, folktraditioner och den snabba utvecklingen av tekniska framsteg, återspeglades i alla typer av konst under 1920–1930-talet. och har inte förlorat sin relevans till denna dag.

Kvinnors sociokulturella roll i art déco-eran blev allt mer betydelsefull, levande och dynamisk. Silhuetterna på kvinnors toaletter förändrades, strävade efter fria former, klippte håret kort, använde kosmetika och rökte, vilket oundvikligen påverkade smyckens estetik och framväxten av nya typer av dyrbara accessoarer.

Kyoto Costume Institute är ett av de fyra bästa modemuseerna i världen och äger en sällsynt samling damklänningar och accessoarer från framstående europeiska företag och modedesigners från den första tredjedelen av 1900-talet, som Chanel, Worth, Poiret, Lucille , Paquin, Sisters Callot, Lanvin, Sisters Boué, Fortuny och andra. Det var dessa modehus som i början av 1900-talet valde en ny modern riktning i konsten att skapa kostymer och bestämde utsikterna för dess utveckling fram till våra dagar.

Vi rekommenderar att läsa noveller om de mest värdefulla och slående smyckesutställningarna på utställningen i artikeln om RBC-Style.

Utställningen har redan väckt stort intresse, eftersom den visar hur kvinnors sociokulturella roll förändrades i början av 1900-talet och hur art déco-eran förenade olika typer av dekorativ konst. Louis Cartier och Jeanne Lanvin var de första som presenterade kläder och smycken som en enda ensemble i Elegance-paviljongen vid Exposition Internationale des arts Décoratifs et Industriels Modernes. Den ägde rum 1925 i Paris, och det var efter den som den populära och inflytelserika art déco-rörelsen fick sitt namn.

För den aktuella utställningen har Kremlmuseerna valt samma visningsmetod: 119 föremål från samlingen av Kyoto Costume Institute (Japan) kompletteras med utsökta smycken från två kända smyckehus, Cartier och Van Cleef & Arpels, samt 20 originalskisser och fotografier från Cartier-arkivet. De 58 dyrbara delarna representerar de första verken i den tidiga art déco-stilen, såväl som de extravaganta smyckena från en senare period: 34 tillhandahållna av Cartier och 24 av Van Cleef & Arpels.

Om du läste boken om Van Cleef & Arpels "Treasures and Legends" av Vincent Meylan, såg du på dess omslag ett halsband med diamanter och 165 karat droppformade smaragder, som blev en av de viktigaste utställningarna på Kreml-utställningen. Smyckena tillverkades 1929 av platina och ädelstenar och tillhörde en gång den egyptiska prinsessan Faiza. I november 2013 såldes den på Christie’s i Genève för 4,2 miljoner dollar och visas nu i Kreml.

Förutom halsbandet som beskrivs ovan kommer du att se otroligt vackra broscher, armband, örhängen, armbands- och fickur, kompaktor, handväskor och andra olika attribut som kvinnor på 20-talet använde för att framhäva sin skönhet. Dessa pjäser, som alla art déco-pjäser, är baserade på geometriska element och strikta linjer, som kombinerar andan av gammal skönhet och modern konst. De bildades under inflytande av kulturen i det antika Grekland, Afrika och Egypten och återspeglas inte bara i konstföremål och dekor, utan också i kläder och accessoarer, vilket framgår av kläderna från Kyoto Costume Institute.

Institutet är ett av de fyra bästa modemuseerna i världen tack vare sin unika samling av damklänningar och accessoarer från de bästa europeiska företagen och modedesignerna från den första tredjedelen av 1900-talet. Chanel, Worth, Poiret, Lucille, Paquin, Sisters Callot, Lanvin, Sisters Boué, Fortuny – vissa namn dånar än idag, medan andra sedan länge har glömts bort och kan bli en ny upptäckt. Hur som helst, det var de som skapade och utvecklade art déco-riktningen inom kläder. De flesta av utställningarna restaurerades speciellt för projektet och lämnade Japan och institutet för första gången. Bland dem finns aftonklänningar och rockar, dans- och cocktailensembler, samt en speciell typ av eleganta klänningar från art déco-eran - "robe de style".

Man kan prata om historia och stil för alltid, men hela teorin bleknar innan en blick på aftonrocken från Paul Poiret med prydnadsbroderier med guldtråd och pärlor på knallblå sidensammet eller halsbandet till den egyptiska prinsessan Faiza. Jag inbjuder dig att se detta själv genom att besöka utställningen före den 11 januari.